XV AÑOS DE FIARTES-g

 FIARTES-g: una fiesta para el diálogo y la esperanza
Quince años son pocos en la vida de un ser humano, a esa edad empezamos a definir una vocación y también un rostro. Sin embargo, en la vida de un evento de artes escénicas, quince años son el tiempo justo que permite fijar un rumbo. No habría más que mirar la historia del Festival Internacional de Artes Escénicas de Guayaquil (FIARTES-g) para saber que en este tiempo ha devenido en terreno fértil, ganado para la cultura toda del continente, en favor de esta ciudad y de su gente.
Muchas, por supuesto, han sido las dificultades, las carencias, las modificaciones, pero el tesón de sus organizadores y, sobre todo, sus ganas de ir más allá de los espectáculos, han hecho posible que FIARTES-g vuelva a convocar en 2012 a un núcleo muy notable de creadores escénicos, maestros del oficio, llegados desde diversos lugares para confrontarse con un público conocedor e inteligente, formado durante todos estos años de comunión e intercambio. Y quizás sea esa la mayor ganancia: en quince ediciones FIARTES-g ha constituido un público para la danza y el teatro en esta ciudad, un amplio número de fieles espectadores que han tenido la oportunidad de pensarse en y desde los escenarios.
Como un espejo reverberante, las obras que hasta hoy han respondido a la convocatoria de los organizadores, nos han devuelto una mejor imagen de nosotros mismos y en ese reflejo se ha podido mirar también, y en igualdad de condiciones, el teatro que aquí se produce. Con los años, pensar en FIARTES-g es también imaginar un espacio de confluencia y jerarquía que nos ofrece, desde el rigor y el compromiso, el latido de nuestra propia organicidad.
Ahora, al igual que hace quince años, se encienden otra vez las luces y todos somos privilegiados: actores, bailarines y espectadores, invitados y anfitriones. Vivamos intensamente esta fiesta que apuesta por el diálogo y la esperanza.  

Jaime Gómez Triana
MAPA TEATRO  - COLOMBIBA -
Testigo de las Ruinas
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Agosto 30 y 31
21 HOO
Entrada libre


Autor: Mapa Teatro
Concepción y puesta en escena: Heidi Abderhalden y Rolf Abderhalden
Dramaturgia: Heidi Abderhalden
Diseño visual: Rolf Abderhalden
Testimonio en vivo: Juana Ramírez
Asistencia de Dirección: Ximena Vargas
Creación sonora y musical: Carlos Benavides “Champi”
Sonido en vivo: Juan Ernesto Díaz
Cámara: Lucas Maldonado
Edición: Lucas Maldonado, Rolando Vargas, Luis Antonio Delgado.
Montaje técnico e iluminación: Jose Ignacio Rincón
Producción: Ximena Vargas

Sinopsis
Testigo de las Ruinas condensa nuestra experiencia como testigos de uno de los proyectos urbanísticos más ambiciosos de la ciudad en el umbral de los dos milenios. Sintetiza nuestra opción como artistas confrontados a las grandes paradojas de lo real, nuestro rol testimonial. Tiene sus antecedentes en los cuatro proyectos desarrollados por Mapa Teatro entre los años 2001 y 2005: C’úndua, Prometeo I y II Acto, Re-corridos y La Limpieza de los Establos de Augías. Presentado en escenarios teatrales y museales, pero también en espacios no convencionales, Testigo de las Ruinas reúne en un dispositivo de cuatro pantallas en movimiento, las imágenes, los testimonios y los relatos  de antiguos habitantes del Barrio Santa Inés - El Cartucho antes, durante y después  de su desaparición, y de la aparición de un no-lugar, el Parque tercer Milenio.

Ante y a través de la mirada de la última habitante de El Cartucho, que realiza la misma acción de sus últimos años en el Barrio (preparar arepas y chocolate), asistimos a la ceremonia de despedida de un episodio importante en la vida de nuestra ciudad. Este acto de despedida constituye, sin embargo, un acto de resistencia frente al olvido y la desaparición de la huella. La vitalidad de esta mujer, su carcajada final en medio de la soledad del Parque, son un testimonio contundente de la fuerza vital de los seres humanos frente al desastre producido por las arbitrariedades del poder.
Esta obra es una coproducción de MAPA TEATRO con el Wienerfestwochen, Forum de Viena, y el Hebbel Theater de Berlín.

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE DIRECTOR@S ESCÉNIC@S  -
VIERNES 31 DE AGOSTO · 10H00
Itae Teatro Laboratorio
Entrada libre

 
Encuentro Internacional de Director@s Escénic@s
Para celebrar sus quince años de labor en la constitución de una plataforma que permite al público guayaquileño observar estéticas escénicas de diversos contextos, el Festival Internacional de Artes Escénicas-Guayaquil (Fiartes-g), además de su programación y su rubro formativo, ofrecerá en su marco un Encuentro Internacional de Director@s de Teatro.
Esta actividad reunirá a cuatro artistas extranjeros y dos nacionales que el Fiartes-g considera como íconos en el quehacer teatral latinoamericano, pues además de que cada un@ de ell@s ha logrado una poética absolutamente singular,  tienen en común su genuino y constante interés de mirar a las vanguardias, a la vez de interesarte en atender, constituir y dialogar con la identidad de sus contextos inmediatos.
 
INVITADOS:
Rolf Abderhalden (Colombia) - Mapa Teatro - Laboratorio de Artistas
Miguel Rubio (Perú) - Grupo Cultural Yuyachkani
Nelda Castillo (Cuba) - El Ciervo Encantado
Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe (México) - Las Patronas
Nixon García (Manta/Ecuador) - La Trinchera
Santiago Roldós (Guayaquil/Ecuador) - El Muégano Teatro
 
MODERADOR:
Jaime Gómez Triana- Teatrólogo cubano
 
SEPTIEMBRE 01
20 HOO
EL MUÉGANO TEATRO  - GUAYAQUIL - ECUADOR -
Ensayo Sobre la Soledad
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Entrada libre

SINOPSIS
La obra nació del deseo de hacer una para l@s niñ@s de nuestra ciudad, tan carente de opciones de diversión diferente, libres de consumo. Sin embargo no es una obra infantil, sino una sobre la infancia. Un rompecabezas circense que reflexiona en las odiseas del afecto, con la intensidad de los cuerpos de tres actrices que se transforman lo mismo en tarántulas, la Quijota, el señor del tv cable o un Pinocho que sueña con ser el fantasma de Hamlet, un intento de comprender y completar sus relatos, para no repetirse pero reconocerse, y construir, en alegría, su soledad.
EL MUÉGANO TEATRO fue fundado en 2000, durante un periplo de orfandades y exilios de diversas procedencias, a través de Ecuador, México y España. A la luz de sus reflexiones en torno a poéticas de la disidencia y la diversión, el grupo decidió asentarse en Guayaquil, pues su aridez cultural y conservadurismo político les parecieron propicios para proyectar desde ahí su trabajo, en los dialécticos términos de Brecht y Benjamin: “Estar en la corriente en contra de la corriente”. Ahí sus directores fundadores, Pilar Aranda y Santiago Roldós crearon y dirigieron la Carrera y el Laboratorio de Teatro Independiente del ITAE (Instituto Superior de Artes del Ecuador). Ganador de los premios más importantes de la VI Muestra de Teatro de Barcelona (2001), hoy es considerado uno de los grupos más importantes del Ecuador, invitado a festivales de la relevancia del Iberoamericano de Cádiz, el Internacional de Manizales, el Janeiro de Grandes Espectáculos de Recife, el Internacional de Manta, el Alternativo de Bogotá, entre otros.
El director de la obra, Santiago Roldós (Guayaquil, 1970), estudió teatro en México. Su montaje de “La edad de la ciruela”, de Arístides Vargas, ganó los premios más importantes la VI Muestra de Teatro de Barcelona. En 2006 ideó y produjo “Los Encuentros Brecht en Guayaquil”, autor a quien subvirtió en “El viejo truco del círculo de tiza” y “Juguete cerca de la violencia”. Además de “Karaoke orquesta vacía”, ha escrito “Palabras contra el silencio”, “Señales de tránsito y “Lecturas para zombis suicidas”, una selección de sus columnas periodísticas.

La directora del grupo, Pilar Aranda (Ciudad de México, 1969). Premio Ex Aequo a Mejor Actriz de la VI Muestra de Teatro de Barcelona y nominada a Mejor Actriz de Reparto al Ariel (Academia Mexicana de Cine) y al Premio de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) por “Como agua para chocolate”. Renunció a una carrera en la televisión comercial para dedicarse enteramente a la investigación, la creación y la docencia. Además de sus clases profesionales, realiza constantes vinculaciones del teatro como vehículo de los derechos humanos, económicos, políticos, sociales y sexuales.

SEPTIEMBRE 2 
19 HOO
YUYACHKANI  - PERÚ -
CON-CIERTO OLVIDO
Teatro Centro de Arte Sala Principal
Entrada libre
Creación Colectiva: de Yuyachkani
Espectáculo con:  Amiel Cayo, Ana Correa, Augusto Casafranca, Débora Correa, Julián Vargas, Rebeca Ralli, Teresa Ralli
Dramaturgia y Dirección de Miguel Rubio Zapata
Coordinación Técnica:  Alejandro Siles
Producción:  Socorro Naveda

"Con-cierto Olvido"  (2010) es el encuentro entre el Arte Escénico y la Música.  Incorpora  textos, poemas, canciones  y piezas musicales articulados en el formato de un concierto teatral, en el que los actores dicen,  evocan,  tocan, cantan e interpretan temas del acervo cultural tradicional peruano, del repertorio de Yuyachkani y de autores como Edward Gordon Graig,  Bertolt Brecht, Jorge Manrique, W. Shakespeare, entre otros.  

“Con-cierto Olvido” es un acto de lucidez y entrega, un momento compartido de belleza y verdad. Cada actor ha elegido su silla, sus elementos mínimos –visibles e invisibles pero inefables- y ofrenda un pedazo de su trayectoria de vida e invención teatral, un pequeño pasaje de su cultura personal y su encuentro con la historia peruana, la vida y el teatro.
YUYACHKANI: 40 años de teatro.

El Grupo Cultural Yuyachkani, fundado en 1971, es una institución teatral independiente.  Sus obras, su pedagogía y los eventos que genera manifiestan una intención de diálogo permanente con los temas de nuestro tiempo, proponiendo una interacción que sitúa al espectador como un interlocutor-creador y parte de la propuesta.

Yuyachkani, palabra quechua que significa “estoy pensando, estoy recordando”, irrumpe en la escena peruana postulando un teatro inclusivo que muestre la gran diversidad como riqueza y potencial integrador. En lo artístico recorre caminos de búsqueda sustentados en la investigación del comportamiento escénico del actor desde la perspectiva de una cultura de grupo, en los que concurren fuentes diversas, tanto tradicionales como contemporáneas.  En ese aspecto, su misión es estimular el desarrollo de las artes escénicas como un espacio de creación, de invención, que permita cambiar y transitar por los lenguajes más diversos para desarrollar formas genuinas de teatralidad nacidas de la necesidad de comunicar en un contexto propio.
Yuyachkani ha orientado su acción cívica en torno a un objetivo principal: contribuir al desarrollo y fortalecimiento de la memoria ciudadana. En ese sentido los temas recurrentes giran en torno a la migración por razones económicas, desplazamientos forzados por el conflicto armado interno, la marginalidad, la violencia, la justicia, la corrupción, el autoritarismo, y otros males que atentan el desarrollo de una vida con derechos para todos

SEPTIEMBRE 3 
20 HOO
DIALOGOS ENTRE DARWIN Y DIOS. - MÉXICO -
LILIANA FELIPE  y JESUSA RODRIGUEZ 
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Entrada libre
Actuación y dirección: Jesusa Rodríguez
Música e interpretación: Liliana Felipe

Sinopsis
La evolución de las especies por medio de la selección natural, se ha puesto en duda en un mundo que involuciona vertiginosamente Charles Darwin (Jesusa Rodríguez) abandona su tumba para defender su teoría.  La primera parte es una conferencia magistral acompañada de canciones en la que Darwin expone y defiende la teoría de la evolución. En la segunda parte, en forma interactiva, el público participa de una experiencia novedosa: LA APARICION DE DIOS EN PERSONA, frente al público, ante sus propios ojos, a todo color y en todas partes.  Finalmente el genio de la evolución reflexiona sobre la invención de dios. Todo el espectáculo está acompañado por las canciones y la interpretación al piano de Liliana Felipe.

SEPTIEMBRE 4
19 HOO
RSIDENCIA ARTÍSTICA. – ESPAÑA/ECUADOR -
TRINIDAD MARTÍNEZ / LA FABRICA
PARTIMOS DEL SILENCIO
Itae Sala de Danza
Entrada libre

IN THE YEAR 2009 HE BROKE UP WITH ME
Dirección, interpretación y texto: Trinidad Martínez
Música: Bill Withers
Con la colaboración artística de Nathalie Elghoul
Con el apoyo de Goethe Institut; La Fábrica, Cuerpo-Espacio; Teatro Sánchez Aguilar y Aníbal Saez

“Salí caminando con dificultad de respirar y sentir, bajo el sol, envuelta por el miedo y la asfixia. Mi espalda, cuello y los sentidos, paralizados. Encontré un lugar junto al río, eucaliptos grandes, altos, tuve la sensación de que era un espacio para mí. Estuve en el tronco sentada, mi cabeza colgaba, respirando con el cuerpo; permitiendo que el oxígeno penetrara. Me hice con él, él quieto, yo acurrucada, alimentándome de la vida que desprende su madera. Bailé durante un buen rato.”

Combinar algunos momentos íntimos  con el “vacío” de una improvisación, será un reto para todos. Os invito a uniros a este breve travesía, gracias.
SEPTIEMBRE 5 
20 HOO
TEATRO DELLE REDICI  -SUIZA-
TRACK
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Entrada libre
Texto y dirección:  Cristina Castrillo
Creación:  Teatro delle Radici
Con:  Andrea Fardella e Camilla Parini
Escenografía:  Teatro delle Radici / Massimo Palo
Asistente de dirección: Bruna Gusberti
Sinopsis
Hacemos crack porque somos sólo la réplica de nosotros mismos, porque somos solo sangre rabiosa pero no tenemos ni las pelotas ni la lealtad de defender una idea, un movimiento, una ilusión o la diversidad de una mutación.
Tenemos que hacer crack porque no somos otra cosa que el simulacro de un sueño… y saberlo, hace daño».
La anormalidad» y el disgusto vistos a través de los ojos de dos figuras que desde esa marginación intentan dibujar  el contorno de una nueva sobrevivencia
Ser adultos y no tener respuestas, ser jóvenes y hacerse preguntas, ser jóvenes y no tener respuestas, ser adultos y hacerse preguntas.

SEPTIEMBRE 6 
19 HOO
COLECTIVO EL SÓTANO  -BRASIL-
EL DÍA QUE APRENDÍ A DECIR NO
ITAE  TEATRO LABORATORIO
Entrada libre
Concepción y actuación: MAICO SILVEIRA
Orientación escénica: CAMILA BAUER
Texto: PABLO BERNED y MAICO SILVEIRA
Banda sonora original: LEONARDO DIAS
Realización: COLECTIVO EL SÓTANO
SINOPSIS
¿Si tienes el nombre de un guerrero,  tendrás que vivir como si lo fueraS?
La vida y el mundo avanzan demasiado rápido para que él pueda acompañar todos los cambios con la velocidad deseada.
“El mejor escondrijo, o la más grande oscuridad” ya no le dan protección.
Miguel tiene miedo de exponerse.
Miguel es un hombre normal.

Historia
La obra gaucha El día en que aprendí a decir NO tuvo su primera aparición bajo el nombre de Miguel, en el evento Primer Borrador, organizado por el Colectivo El Sótano en la ciudad de Sevilla, España, en 2010. El solo brasileño fue estrenado en junio de 2011, realizando una temporada de nueve presentaciones en la capital federal. En los meses de agosto y septiembre del mismo año, hizo una temporada en Porto Alegre. En 2012 volvió a la escena de Brasilia antes de partir para Guayaquil para integrar la programación de FIARTES-g, preparándose también para participar de la IV Muestra Internacional de Mímica Contemporánea, en São Paulo, al final de septiembre de 2012.

El Colectivo El Sótano fue formado en el año 2010  en la ciudad de Sevilla, España, por cinco jóvenes de diversas procedencias estéticas y territoriales  (Brasil, Ecuador, España, México y Uruguay), entonces estudiantes del Master de Artes del Espectáculo Vivo de la Universidad de Sevilla. En un evento realizado en mayo de 2010 varias performances de sus integrantes fueran presentadas en un sótano sevillano, bautizando así al colectivo de artistas.
El Colectivo edita una revista online (www.elsotanorevista.org), cuatrimestral, organizada desde cuatro países: Brasil, Ecuador, España y México, con investigadores y colaboradores de diversas procedencias culturales, y está dedicado a unir artistas tan lejanos territorialmente en el mismo debate sobre Artes Escénicas. En Brasil, el trabajo está coordinado por Maico Silveira, y en Ecuador por Bertha Díaz.

Sobre el Espectáculo
El día en que aprendí a decir NO es una obra humorada, irónica y divertida, que pinta el mejor y el peor de nosotros, seres humanos. Vivimos en una sociedad de creciente expectativa de vida, pero no confiamos en la sustentabilidad de nuestra previdencia social, buscamos un aumento de ingresos, pero no creemos en su poder de felicidad, estudiamos religiones, creencias, transformándonos en seres holísticos sin dejar de ser escépticos, casi dogmáticos, intentando olvidar la precariedad de nuestra ciencia y la corrupción de nuestra política. Queremos ser fuertes, inteligentes y bonitos, con un buen poder adquisitivo, amados e idolatrados. Y en eso, casi nos olvidamos de ser nosotros mismos. Pero, ¿quiénes somos nosotros mismos? ¿Cuál la importancia de ser tú mismo y de tu interrelación con el mundo? ¿Pueden nuestros pequeños actos y paranoias cotidianas llegar hacia un lugar más alejado de nosotros mismos, influyendo en algo exterior a nuestras voluntades y ombligos?

El día en que aprendí a decir NO cuestiona nuestra hipocresía, nuestros miedos, nuestras barreras. Estamos aquí y en todo lugar, todo al mismo tiempo. ¿Cuándo logramos situar cuerpo y mente en un mismo espacio y tiempo? Por medio de Miguel, una persona común, especial y única como cualquiera, la obra cuestiona nuestra ausencia: cuerpo sin mente en el tiempo presente, mente sin cuerpo en cualquier tiempo o lugar. Queremos todo al mismo tiempo. ¿Y si tu tuvieras el nombre de un guerrero pero no quisiera luchar? Nuestros miedos y deseos, responsabilidades y pasiones serán mezclados en la figura de Miguel, hombre, ángel y guerrero, ser único que un día aprendió a decir no.
SEPTIEMBRE 7 
19 HOO
DANIEL AGUIRRE
120 KILOS DE JAZZ
ITAE  TEATRO LABORATORIO
Entrada libre
SINOPSIS
Dedicado a Giampaolo Nalli
Con tal de poder entrar a una fiesta para ver a su amada, el gordo Méndez se finge contrabajista de un grupo de Jazz
Méndez no sabe tocar el contrabajo, pero su cavernosa voz imita a la perfección el sonido de las cuerdas.  Para entrar en la fiesta debe lograr sustituir al contrabajista oficial del grupo invitado y ocultar a todos los  invitados su incapacidad para tocar el instrumento. Detrás de este argumento se esconden tres amores:  El amor no correspondido por una mujer por la cual se atravesarían todos los infiernos,  el amor por el jazz, cuya música ayuda al gordo Méndez a soportar su inmensa soledad y el amor por la comida en la cual el gordo encuentra breves y sabrosos refugios y consuelos.

SEPTIEMBRE 8
19 HOO
MESA DE DISCUSIÓN EL TEATRO LATINOAMERICANO HOY
ITAE  TEATRO LABORATORIO
Entrada libre
 

Teatralidades, contextos, poéticas y políticas.
Participan: Jaime Gómez Triana  (Teatrólogo cubano).
                    Santiago Rivadeneira (Revista El Apuntador / Ecuador).
                    Maico Silveira (El Sótano – Colectivo teatral y revista / Brasil).
Moderadora: Bertha Díaz (Departamento de Teatro / ITAE).

SEPTIEMBRE 9 
20 HOO
GRUPO PALO SANTO   -MANTA  - ECUADOR-
LAS PAREDES HABLAN
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Entrada libre
Autor y director:      Raymundo Zambrano
EL MAESTRO                :    Raymundo Zambrano
NARCISO                       :     Carlos Valencia Acosta
Luces                             :    Isidro Murillo
Sonido                           :    Cesar Mera
Asistente                       :     Johanna Saltos López
Fotografía                     :    Daniel Lherer, Palermo.
Afiche                            :     Daniel Lherer
Auspicio                        :    Universidad Eloy Alfaro      

De la vida de la Construcción a la Construcción de la Vida.
En un mundo donde impera de la depresión y el desencuentro, donde tanto tienes, tanto vales, donde todo el año es despilfarro navideño, las reflexiones del maestro y su oficial nos enseñan a ver la vida desde el aquí y ahora, libre de deudas morales o materiales, llena de vivos motivos vitales.

Esta maravillosa fábula reflexión sobre el que construir para los demás es construirse a SI mismo,  construir un hogar, construir una sociedad, UN PAÍS y finalmente EL MUNDO, es el olvidado hilo conductor sobre el cual diariamente cerramos los ojos frente a los invisibles e intangibles maestrillos sobre cuyas sólidas espaldas se ha construido el frágil confort de nuestra vida burguesa.  Con una amorosa y ácida mirada recorremos la cultura desde el Raeguetón, Chico Buarque hasta la mitología greco-romana, desde las ¨bielas¨ y el fútbol hasta Shakespeare con la eterna pregunta SER O NO SER y SER Y DEJAR SER:

To Be or Not to Be y Let it Be…
La tecnología demistificada porque siempre atrás de élla hay un hombre y hay unas manos, las manos de nuestra gente que alimentan una familia y la esperanza de un día mejor aunque le den tickets verdes y amarillos  para la comida y la felicidad

En ésta profunda reflexión redescubrimos que los materiales de la ira, el amor, la felicidad y la muerte son los mismos en todo ser humano, sin importar edad, clase social o profesión.

Carlos y Raymundo nos entregan TODO, dos trabajadores que construyen la obra con materiales mínimos al filo del abismo del oscuro escenario y terminando la jornada con el sudor y el orgullo de una tarea bien hecha, como DEBE SER, sin concesiones.

SEPTIEMBRE 10 
20 HOO
TEATRO DEL CIELO -CUENCA - ECUADOR
LUNA DE MIEL LOTRA DE SAL
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Entrada libre
Actores: Yanet Gómez y Martín Peña
Dirección Escénica: Martín Peña
Dramaturgia: Teatro del Cielo
Textos: Martín Peña
Duración: 70 minutos
Género: Mimo Corporal Dramático
Técnico de iluminación y sonido: Luis Espinel
Vestuario: Catalina Carrasco y Teatro del Cielo

SINPOSIS
Luna de Miel… Lotra de Sal” es la historia de Lola y Berni, quienes al juntarse cambian su vida y  comienzan a desarrollar un mundo complicado, en donde el principal conflicto surge de sus mentes.

Lola y Berni inician un viaje sin retorno, en el cual juntos enfrentan diferentes etapas y situaciones que llevan al espectador a identificarse con la obra, y a vivir a través de esta representación física, el desconcierto, la alegría, el absurdo, la locura. ´PREMIO de  creación por IBERESCENA.
HISTORIAL BREVE DE LA COMPAÑÍA, DIRECTOR Y AUTOR
Teatro del Cielo nace en el año 2004, y desde su inicio el trabajo del grupo está enfocado en el desarrollo de una disciplina teatral que tiene como principal elemento escénico el cuerpo del actor.
Tomando como base y punto de partida al Mimo Corporal, Teatro del Cielo realiza sus construcciones dramáticas, de las que surgen personajes e historias con una mezcla de la realidad y fantasía, de entretenimiento y poesía, de lo clásico, lo popular, lo conocido y lo desconocido; desarrollando una propuesta teatral, a través de la cual, se presenta la naturaleza en una forma distinta, no cotidiana, una forma digna de un espectáculo.

Teatro del Cielo es una de las pocas compañías exponentes del Mimo Corporal Dramático en Latinoamérica, siendo considerada  su concepción artística según muchos críticos como un género inclasificable, que a más de producir un impacto escénico, es un impacto pedagógico para el desarrollo del teatro contemporáneo.
La compañía ha llevado su pedagogía y ha presentado sus trabajos escénicos en varias temporadas y festivales en países como: Ecuador, Chile, Colombia, Panamá, Inglaterra, Uruguay, República Dominicana, Argentina y Costa Rica.
Martín Peña  (Cuenca- Ecuador, 1982): Director, actor y dramaturgo de Teatro del Cielo. Graduado en International School of Corporeal Mime en Londres, Inglaterra.
 Se inicia en el arte desde niño a través de la música, aprendiendo varios instrumentos y siendo parte de algunos grupos juveniles. Desde el año 1998 Martín comienza sus estudios de teatro, y adquiere diferentes experiencias escénicas, formando parte de varios grupos y realizando trabajos como actor independiente, combinando la actuación con la música.

En el año 2002 se radica en la ciudad de Guayaquil en donde participa en dos espectáculos teatrales junto con la actriz Yanet Gómez, con quien en el 2004 crean “Teatro del Cielo”.
En el año 2006, Martín viaja a Inglaterra para realizar un entrenamiento y un estudio profundo del Mimo Corporal Dramático, bajo la dirección de los últimos asistentes de Etienne Decroux , Steven Wasson y Corinne Soum, quienes extendieron los recursos de la técnica e hicieron la primera reconstrucción de varias piezas del repertorio del mimo moderno, convirtiendo a su escuela en la fuente más importante en el mundo en esta disciplina. Durante los años de estudio en la escuela de mimo, Martín participó como actor y músico en las obras: “The Inventor of the Horse” y “Gunty´s Unpleasant Illusion” dirigidas por Wasson y Soum.
Culminando el proceso de aprendizaje de la técnica y el repertorio Moderno y Post Moderno del Mimo Corporal, Martín se gradúa de la escuela en el año 2009, año en el cual comienza junto con la actriz Yanet Gómez la creación y montaje de la obra “Luna de Miel…Lotra de Sal” y en 2011 la más reciente producción de Teatro del Cielo, la obra “BRUMA”.
SEPTIEMBRE 11 
20 HOO
DAEMON  -ECUADOR-
EL MONTAPLATOS
Teatro Centro de Arte Sala Experimental
Entrada libre

AUTOR:               HAROLD PINTER
DIRECIÓN:          JAIME TAMARIZ
ACTUAN:            ALEJANDRO FAJARDO Y JOSÉ BURGOS
SINOPSIS

El Montaplatos podría considerarse la continuación de Esperando a Godot, pero en un escenario urbano tanto en el espacio como en el sentir de los personajes, dos asesinos a sueldo que esperan en un sótano desconocido la llegada de su próxima víctima. Ambos pasan el tiempo hablando sin lograr comunicarse, hasta que repentinamente baja un montaplatos a través del cual reciben desde el piso superior encargos de menús imposibles de satisfacer, lo que parece sugerir que ese sótano habría sido la cocina de un restaurante. La cocina ya no existe, pero ¿existe todavía el restaurante en el piso de arriba? Cada vez que el montaplatos sube y baja con pedidos inesperados, los protagonistas se ven agobiados por la incertidumbre y la duda hasta que las circunstancias se vuelven insostenibles frente a la autoridad sin rostro. El desenlace insinúa levemente una respuesta lógica para tan incomprensible episodio, pero también deja las puertas abiertas a la aceptación de lo evidente: que no sabemos casi nada de las causas de lo que nos ocurre a lo largo de la vida, especialmente en los momentos importantes.

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